Das Reich des „Fähigkeitenklauens“: Sich selbst aus Klassikern erschaffen | Yihai Shizhen

Wie konnte der talentierte Maler Lippi von anderen lernen und dennoch seine eigene Kreativität bewahren?

Geschrieben von | Zhang Yi

In der letzten Ausgabe (Die schönste Madonna: Die legendäre Schöpfung eines verschwenderischen Genies | Kunst und Wahrheit) bewunderten wir ein Gemälde voller humanistischem Geist und menschlicher Wärme: „Madonna der Uffizien“. Dieses Werk wurde vom verschwenderischen Genie Lippi geschaffen und beeinflusste spätere Maler. In seinen frühen Jahren wurde Lippi von vielen Meistern beeinflusst und „stahl die Fähigkeiten“, um viele Madonnenstatuen zu malen. Wie konnte er also von anderen lernen und dennoch seine eigene Kreativität bewahren?

1 Frühe realistische Werke: Die Krönung der Jungfrau Maria (Abbildung 1) wurde von Lippi im Stil von Masaccio geschaffen. Das Hauptbild ist in drei Teile unterteilt, von denen jeder oben einen Halbkreis aufweist. Diese Kompositionsmethode sollte die traditionelle Kompositionsmethode ähnlicher Themen in der florentinischen Malerei des Mittelalters fortsetzen (Abbildungen 1a und 1b), insbesondere Abbildung 1a, von der man sagen kann, dass sie Lippis Schaffen direkt beeinflusst hat. Auf den beiden Seiten von Lippis Gemälde in Abbildung 1 sind Sant Ambrogio (links) und St. Johannes der Täufer (rechts) zu sehen. Ihre kräftige Körperform, die schlichte Kleidung und der Gesichtsausdruck sind offensichtlich von Nanni di Bancos (ca. 1384–1421) Skulptur „Die Krönung der vier Heiligen“ in der Kirche San Michele in Florenz und den Formen der Heiligen in Masaccios „Die Steuern“ beeinflusst (Abbildungen 5e und 5f). Obwohl bereits erwähnt wurde, dass Lippi die Malmethoden von Masaccio eingehend studiert hatte, muss gesagt werden, dass Lippi als Maler mit einer ausgeprägten Fähigkeit, von anderen zu lernen, die Werke zeitgenössischer Florentiner Bildhauer genau erfasste. Das Bild der zweiten Figur links bei der Krönung der vier Heiligen in Abbildung 1f, insbesondere das Bild, in dem er das Gewand, das er trägt, mit der rechten Hand hochhebt, wurde von Lippi in einem anderen Werk mit dem Titel „Barbadori-Altarbild“ (Abbildung 2) gemalt, das das Bild des zweiten Engels links im Gemälde darstellt. Ein weiteres frühes Werk Lippis, „Madonna mit Kind auf dem Thron und Heiligen“ (Abbildung 3) im Uffizien-Museum in Florenz, zeigt ebenfalls den Einfluss der kreativen Stile von Nanni di Banco und Masaccio auf Lippi.

Abbildung 1. Filippo Lippi, „Krönung der Jungfrau“, Tempera auf Holz, gemalt zwischen 1441 und 1447, 220 cm hoch und 287 cm breit, jetzt in der Uffizien-Galerie ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 1a. Don Lorezon Monaco, Krönung der Jungfrau Maria, gemalt 1414, 450 cm hoch, 360 cm breit, jetzt in der Uffizien-Galerie ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 1b. Giovanni da S. Stefano a Ponte, „Krönung der Jungfrau und der Heiligen“, Tempera auf Holz, gemalt zwischen 1420 und 1430, 209 cm hoch und 215,5 cm breit, jetzt ausgestellt in der Galerie der Akademie in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 1e. Masaccio, „Die Steuerzahler“, Fresko, gemalt zwischen 1425 und 1428, 247 cm breit und 597 cm hoch, heute ausgestellt in der Brancacci-Kapelle in der Basilika Santa Maria del Carmine in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 1f. Nani di Banco, Die Krönung der vier Heiligen, Marmorskulptur, geschaffen zwischen 1414 und 1416, die Statue ist 203 cm hoch und heute in der Kirche San Michele in Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 2. Filippo Lippi, „Barbara-Altar“, Tempera auf Holz, gemalt zwischen 1437 und 1438, 208 cm hoch und 244 cm breit, jetzt im Louvre-Museum in Paris ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 3. Lippi, „Madonna mit Kind auf dem Thron und Heiligen“, Tempera auf Holz, gemalt um 1445, 196 cm hoch und 196 cm breit, heute ausgestellt in den Uffizien in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Wer ist der Autor von „Krönung der Jungfrau“? Heute würden wir sicherlich denken, es sei der Maler Lippi gewesen, aber wie steht es mit den Menschen in der Frührenaissance? Abbildung 1c zeigt die untere rechte Ecke des gesamten Gemäldes. Rechts kniet der Stifter des Gemäldes. Vor ihm liegt ein geschwungenes Band mit der Aufschrift ISTE PERFECIT OPUS (Person, die das Werk vollendet hat). Offensichtlich betrachtete sich dieser Investor als Autor des Gemäldes, was zu dieser Zeit eine gängige Auffassung gewesen sein dürfte. Aber Lippi war offensichtlich anderer Meinung. Er hat sich nicht nur auf der linken Seite des Werkes gemalt (Abbildung 1d). Unten in der Mitte des Gemäldes, jetzt durch den Rahmen verborgen, hinterließ Lippi auch seine Signatur.

Abbildung 1c. Filippo Lippi, Unterschrift und Porträt, Detail der Krönung der Jungfrau Maria | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 1d. Filippo Lippi, Selbstporträt, Detail aus „Krönung der Jungfrau“ | Bildquelle: Wikipedia

Ein weiteres signiertes Gemälde von Lippi ist „Anbetung im Wald“ (Abb. 1g), bei dem sich die Signatur des Malers auf dem Axtstiel des Heiligen Johannes des Täufers in der unteren linken Ecke des Werks befindet. Dieses Gemälde wurde von der Familie Medici gesponsert, die Lippi in der frühen Renaissance erlaubte, seine Unterschrift auf dem Gemälde zu hinterlassen, was als Anerkennung des Talents und der Arbeit des Malers angesehen werden sollte. Vielleicht sind es gerade diese kleinen Details, die in der Geschichte erhalten geblieben sind, die Menschen späterer Generationen dazu veranlasst haben, die Familie Medici Hunderte Jahre später als den wichtigsten Förderer der Renaissancekunst zu betrachten.

Abbildung 1g. Filippo Lippi, Anbetung im Walde, Öl auf Holz, gemalt 1459, 129,5 cm, 118,5 cm breit, jetzt ausgestellt in der Gemäldegalerie Berlin | Bildquelle: Wikipedia

Obwohl die in Abbildung 1 gezeigte Krönung der Jungfrau Maria aus verschiedenen Gründen sehr berühmt ist, bin ich der Meinung, dass das Deckengemälde „Krönung der Jungfrau Maria“ im Dom von Spoleto (Abbildung 1h) unter den von Lippi mit demselben Thema gemalten Werken das reifere und attraktivere Werk sein dürfte. Seine schillernden Farben hinterlassen bei den Menschen eine starke visuelle Wirkung. Wenn Sie zu diesem Werk aufblicken, werden Sie die künstlerische Anziehungskraft und Spannung von Lippis Gemälden voll und ganz spüren.

Abbildung 1. Filippo Lippi, „Krönung der Jungfrau“, Fresko, gemalt zwischen 1465 und 1467, Kathedrale von Spoleto | Bildquelle: Wikipedia

Am Ende dieses Abschnitts stellen wir ein Gemälde der Jungfrau mit Kind aus der Frühphase von Lippis Malerkarriere vor (Abbildung 4). Obwohl die Figuren des Werks den realistischen Stil Vasaccios aufweisen, sind die großen Goldflächen im Hintergrund eindeutig eine Fortsetzung der mittelalterlichen Ikonographie. Lippi verarbeitete die abgeflachte Goldfarbe in der traditionellen Ikonenmalerei und malte sie in Form eines Gewandes, was den Realismus des Werkes verstärkte. Der dunkle Hintergrund hinter den Vorhängen und die Pflanzen vermittelten den Menschen ein elegantes Gefühl der Dekoration und dienten gleichzeitig dazu, den goldenen Heiligenschein auf den Köpfen der Jungfrau und des Kindes hervorzuheben. Auf dem blauen Gewand der Jungfrau Maria ist ein schillernder goldener Stern zu sehen, der den Stern der Jungfrau Maria, den Meeresstern, darstellen soll. Dieses Werk ist eindeutig eine Kombination aus dem in der frühen Renaissance entwickelten Realismus und der mittelalterlichen Ikonenmalerei.

Abbildung 4. Filippo Lippi, „Madonna mit Kind“, mit Tempera und echtem Gold auf Holz gemalt, ca. 1446–1447, 75,5 cm hoch und 52,3 cm breit; jetzt im Walters Art Museum in Baltimore, USA, ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

2 Werke der Reifezeit: eine Verschmelzung von Realismus und prachtvollem Dekorationsstil 2.1 Die Anbetung der Heiligen Drei Könige

Dieses kreisförmige Gemälde der „Anbetung der Könige“ (Abbildung 5) war einst eine Sammlung der Familie Medici. Als Lorenzo der Prächtige Medici im Jahr 1492 starb, wurde das Werk in das Inventar des Besitzes des Medici-Palastes aufgenommen. Man geht davon aus, dass Fra Angelico mit dem Bau begonnen, ihn jedoch aufgrund des Todes des Künstlers nie fertiggestellt hat. Aktuelle technische Testergebnisse lassen darauf schließen, dass Lippi der Hauptmaler dieses Werks war und dass die meisten Figuren und Landschaften im Bild, mit Ausnahme der Jungfrau Maria, von Lippi gemalt wurden. Da die Fertigstellung des Werkes sehr lange dauerte und es während des Malprozesses mehrmals den Besitzer wechselte, sind auf dem Bild auch einige Spuren von Zeichnungen anderer Gehilfen zu erkennen. Der Pfau in der oberen Bildmitte, der Habicht mit dem Fasan und der Hund in der unteren Mitte wurden um 1460 von Benozzo Gozzoli gemalt. Pfau und Habicht stehen vermutlich im Zusammenhang mit der Tatsache, dass Cosimos zwei Söhne, Piero und Giovanni, diese beiden fliegenden Vögel gerne als Embleme zur eigenen Darstellung verwendeten. Einziger kleiner Makel des Werkes ist die Strohhütte rechts von der Bildmitte, die etwas zu groß wirkt.

Abbildung 5. Fra Angelico und Filippo Lippi, Anbetung der Könige, Tempera auf Holz, fertiggestellt um 1460, 137,3 cm Durchmesser, jetzt ausgestellt in der National Gallery of Art in Washington, D.C. | Bildquelle: Wikipedia

Darüber hinaus sind zwei Details bemerkenswert: Der äußerst auffällige Pfau in der oberen Bildmitte ist die Inkarnation von Juno, der Himmelskönigin der antiken römischen Mythologie. In der antiken römischen Kultur bedeutet es ewiges Leben und in der frühchristlichen Kultur des Römischen Reiches wurde ihm die Bedeutung der Erlösung des Menschen durch die Geburt Christi zugeschrieben. Ein weiterer bemerkenswerter Punkt ist, dass die Blumen und Pflanzen am unteren Rand des Gemäldes auf natürliche Weise an die Kompositionskunst niederländischer Teppiche in Europa erinnern. Diese Methode, künstlerische Designinspirationen aus Teppichen zu gewinnen, ist auch in den Werken von Botticelli und anderen zu sehen.

Auf dem Bild überreichen die Heiligen Drei Könige des Ostens dem neugeborenen Jesus in den Armen der Jungfrau Maria Geschenke (Abbildung 5a). Neben der Jungfrau Maria steht der Heilige Josef. Hinter diesen Figuren verbergen sich Stier, Esel, Tiertröge und Strohschuppen, die häufig in Darstellungen der Geburt Jesu vorkommen. Hinter den Heiligen Drei Königen auf der linken Bildseite steht eine große Zahl von Anhängern (Abbildung 5b). Dieses Gemälde enthält auch die traditionelle Anbetung der Hirten zur Zeit der Geburt Jesu. Hinter dem Heiligen Josef und über seinem Kopf sind drei zerlumpte Männer zu sehen. Es handelt sich um die Hirten, die unter der Führung von Engeln kamen, um zur Geburt Jesu zu gratulieren, wie in Lukas 2 beschrieben (Abbildung 5a). Die Anbetung der Hirten ist in der biblischen Kunst normalerweise ein eigenständiges Thema (Abb. 5c), in diesem Werk ist sie jedoch in die Anbetung der Könige integriert.

Abbildung 5a. Teil von „Die Anbetung der Heiligen Drei Könige“ | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5b. Teil von „Die Anbetung der Heiligen Drei Könige“ | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5c. Ghirlandaio, Anbetung der Hirten, Tempera auf Holz, 1485, Höhe 167 cm, Breite 167 cm, jetzt ausgestellt in Santa Trinita, Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Die Fertigstellung dieses Gemäldes dauerte lange und es wurde von mehreren Meistern gemalt, sodass das gesamte Bild unterschiedliche künstlerische Stile aufweist. Obwohl der Grundton des Bildes den Stil und die Merkmale der International Gothic aufweist, einschließlich der gesamten Kompositionsgestaltung, der wunderschönen Kleidung und der Linienführung der Figuren; Die Figuren, Gebäude und Landschaften sind jedoch in einem realistischen Stil gemalt und verwenden wissenschaftliche Mittel wie Perspektivtechniken. Betrachtet man das gesamte Gemälde, sind die verschiedenen künstlerischen Stile perfekt und harmonisch miteinander integriert. Man kann sagen, dass es sich um die Kristallisation der Florentiner Malerei in der Ära Cosimos des Älteren handelt.

Die Anbetung der Könige von Fra Angelico und Filippo Lippi ist ein Gemälde, das Vergangenheit und Zukunft verbindet. Seine Kreativität und die Behandlung vieler Charaktere sind von den früheren Gemälden desselben Themas abgeleitet, die in Florenz von Gentile da Fabriano und Domenico Veneziano gemalt wurden (Abbildung 5d und Abbildung 5e). In den frühen 1460er Jahren verfeinerte Angelicus’ Schüler Benozzo Gozzoli viele der Ideen dieses Werks weiter und malte eine Reihe von Wandgemälden in der Kapelle der Heiligen Drei Könige im Medici-Palast, „Die Pilgerfahrt“ (Abbildung 5f); und Lippis bester Schüler Botticelli ließ sich von diesem Werk inspirieren und schuf mehrere berühmte Gemälde der Anbetung der Könige (Abbildung 5g).

Abbildung 5d. Fabriano, Die Anbetung der Könige, Tempera auf Holz, gemalt 1423, 301,5 cm hoch und 283 cm breit mit Rahmen, jetzt ausgestellt im Uffizien-Museum in Florenz, Italien | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5e. Domenico Veneziano, Anbetung der Könige, Öl auf Holz, gemalt um 1439, 84 cm Durchmesser; jetzt in der Berlin Gallery in Deutschland ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5f. Benozzo Gozzoli, Die Pilgerfahrt, Fresko, gemalt zwischen 1459 und 1462, jetzt ausgestellt im Palazzo Medici-Riccardi in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5g. Botticelli, Die Anbetung der Könige, Tempera auf Holz, gemalt zwischen 1470 und 1475, Durchmesser 130,8 cm; jetzt in der National Gallery, London ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

2.2 Die Vision des Heiligen Augustinus

Dieses Bild zeigt die legendäre Geschichte des Heiligen Augustinus (354–430), einer wichtigen Figur des frühen Christentums (Abbildung 6). Es wird erzählt, dass Augustinus, der damalige Bischof von Sibo in Nordafrika, eines Tages einen Spaziergang machte und versuchte, über die Theorie der Heiligen Dreifaltigkeit nachzudenken, als er allmählich in einen Zustand der Meditation und Fantasie verfiel. Er schien einen Engel in Gestalt eines Jungen zu sehen, der am Strand ein Loch grub und dann mit Muscheln als Werkzeug kontinuierlich Wasser in das Loch goss, in der Hoffnung, es zu füllen; Als Augustinus dies sah, sagte er dem Jungen, dass dies eine unmögliche Aufgabe sei, doch der Junge antwortete: „Was ich tue, ist nicht schwieriger als das Problem, über das du nachdenkst.“ Die legendäre Geschichte der christlichen Welt, die der Maler mit seinem Pinsel darstellt, stellt uns eine alte und ewige philosophische Frage: Können wir mit unserer menschlichen Weisheit die ultimative Wahrheit des Universums erforschen? Anhand dieses Gemäldes können wir ein wichtiges historisches Phänomen mehr oder weniger nachvollziehen: Die tiefgründigsten philosophischen Gedanken der italienischen Renaissance wurden normalerweise nicht wie Philosophiebücher auf Papier niedergeschrieben, sondern fanden in den bildenden Kunstwerken der Zeit in verschiedenen Formen ihren Ausdruck. Als typischste Beispiele gelten Michelangelos Deckengemälde „Die Erschaffung der Welt“ und das große Altarwandbild „Das Jüngste Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle. Dieses kleine Gemälde von Lippi im Eremitage-Museum zeigt die Tendenz, Malerei für philosophisches Denken zu nutzen, mehr als ein halbes Jahrhundert vor Michelangelo.

Abbildung 6. Filippo Lippi, Die Vision des Heiligen Augustinus, Tempera auf Holz, geschaffen um 1460, 28 cm hoch, 51,5 cm breit, jetzt ausgestellt im Eremitage-Museum in St. Petersburg, Russland | Bildquelle: Wikipedia

4.3 Herodes' Bankett

Dieses Gemälde (Abbildung 7) basiert auf den Versen 1–12 von Matthäus Kapitel 14 und den Versen 14–29 von Markus Kapitel 6 im Neuen Testament der Bibel. Es zeigt die Passionsgeschichte des Heiligen Johannes des Täufers, der Jesus taufte. Johannes der Täufer wurde verhaftet und eingesperrt, weil er in seinen Predigten auf die Fehler des jüdischen Herrschers Herodes Antipas hinwies, dieser sich jedoch aufgrund seines Rufs nicht dazu entschließen konnte, ihn zu töten. Auf der Geburtstagsfeier von Herodes Antipas tanzte seine Tochter Salome für ihn. Herodes Antipas war von dem Tanz begeistert und versprach Salome, alles zu geben, was sie wollte. Auf Betreiben ihrer Mutter Herodias bat Salome um den Kopf Johannes des Täufers. Herodes Antipas nutzte die Gelegenheit, um Johannes töten zu lassen, legte seinen Kopf auf einen Teller und gab ihn Salome. Der mittlere Teil des Bildes zeigt Salome beim Tanzen, auf der linken Seite bittet sie ihren Vater, Johannes den Täufer zu töten und seinen Kopf zu holen, während auf der rechten Seite des Bildes Salome ihrer Mutter den Kopf des Johannes auf einem Teller präsentiert.

Abbildung 7. Filippo Lippi, „Das Gastmahl des Herodes“, Fresko mit späterer Oberflächenbehandlung, gemalt zwischen 1452 und 1465, jetzt ausgestellt in der Kathedrale von Prato, Italien | Bildquelle: Wikipedia

Heute scheint dieses Gemälde viel von seiner früheren Pracht verloren zu haben. Beim Malen dieses Bildes verwendete Lippi eine im Mittelalter beliebte Technik. Als Grundlage des Bildes malte er zunächst ein Fresko. Nachdem die bemalte Wand getrocknet war, bearbeitete er die Oberfläche mit Tempera und Vergoldung weiter, um ihren einzigartigen, wunderschönen Effekt zu erzielen. Da diese Art der Wandbehandlung jedoch nur auf die Oberfläche der Wand aufgetragen wird, verblasst sie nach dem Trocknen leicht und ist heute kaum noch zu sehen.

Die tanzende Salome im Gemälde (Abbildung 7a) kann als Klassiker der Kunstgeschichte gelten. Dieses Bild ist zweifellos zeitlos und ihre Tanzhaltung und Kleidung hatten großen Einfluss auf viele nachfolgende Gemälde.

Abbildung 7a. Filippo Lippi, Salomes Tanz, Detail aus Herodes’ Gastmahl | Bildquelle: Wikipedia

2.4 Bartolini-Zyklop

Lippis „Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna“ (Abbildung 8), auch bekannt als Bartolini-Tondo, ist eine der kreativsten Madonnen der frühen Renaissance. Das Bild hat eine starke Tiefenwirkung und zeigt im vorderen Teil die Jungfrau Maria mit dem Jesuskind auf dem Thron sitzend. Das Jesuskind auf dem Schoß der Jungfrau Maria nimmt die Frucht des Granatapfels in die Hand. In traditionellen christlichen Gemälden symbolisiert der rote Saft des Granatapfels das Blut und das Leid, das Jesus in Zukunft für die Menschheit vergießen wird. Und weil sie das zukünftige Schicksal ihres Kindes kennt, können wir einen leicht traurigen Ausdruck auf dem Gesicht der Jungfrau Maria erkennen. Der revolutionäre Charakter dieses Gemäldes liegt vor allem in der Behandlung der Bildtiefe hinter der Jungfrau Maria. Im Gegensatz zu traditionellen Ikonenmalereien stellte Lippi hinter der Jungfrau Maria zwei wichtige Episoden aus dem Leben der Heiligen Anna, der Mutter der Jungfrau Maria, dar: Die Treppe in der oberen rechten Ecke des Bildes zeigt die Begegnung der Heiligen Anna mit ihrem Ehemann Joachim; und die obere linke Ecke des Bildes erzählt die Geschichte von der Geburt der Jungfrau Maria. Tatsächlich stellte Lippi hier reale Alltagsszenen der Frauen der wohlhabenden Klasse im Florenz des 15. Jahrhunderts dar, und die Gebäude im Gemälde waren völlig realistisch gemalt, was nicht nur das Verständnis des Malers für die Technik der Perspektive demonstrierte, sondern auch die drei Handlungsstränge im Bild wirkungsvoll voneinander trennte, sodass der Betrachter das gesamte Gemälde leicht erfassen konnte.

Abbildung 8. Filippo Lippi, „Geschichten aus dem Leben der Jungfrau mit Kind und der Heiligen Anna“, Tempera auf Holz, gemalt um 1465–1470, 135 cm Durchmesser, jetzt ausgestellt im Museum Palazzo Pitti in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

3. Einfache Schlussfolgerung

Lippi war mit seinem künstlerischen Stil nicht allein. Unter seinen Zeitgenossen gab es Maler mit ähnlichem Stil. Der berühmteste von ihnen war Francesco Pesellino (ca. 1422–1457), dessen Stil in seinen späteren Jahren dem von Lippi sehr ähnlich war. „Madonna mit Kind und Schwalben“ (Abbildung 9), derzeit im Isabella Stewart Gardner Museum in Boston, USA, ausgestellt, war das am häufigsten kopierte Madonnengemälde der frühen Renaissance. Die in Abbildung 10 gezeigte Rosenkranzmadonna ist von Pier Francesco Fiorentino signiert. Moderne Wissenschaftler gehen davon aus, dass es sich dabei möglicherweise um eine Gruppe von Malern handelte, die Anhänger von Filippo Lippi und Francesco Peserino waren. Die Madonna vom Rosenkranz ist ein berühmtes Gemälde, das sie gemalt haben.

Abbildung 9. Francesca Pesserino, „Madonna mit Kind und Schwalben“, Tempera auf Holz, gemalt um 1455, 60 cm hoch und 40 cm breit, jetzt ausgestellt im Isabella Stewart Gardner Museum of Art in Boston, USA | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 10. Pier Francesca Fiorentino, Madonna mit Rosenkranz, Tempera auf Holz, gemalt um 1470, Höhe 67,2 cm, Breite 46 cm, National Gallery of Art, Washington, DC, USA | Bildquelle: Wikipedia

Lippis wichtigste und erfolgreichste Nachfolger waren zweifellos Botticelli und sein eigener Sohn Filippino Lippi (1457–1504), die Lippis Stil erbten und weiterentwickelten (siehe Abbildung 11). Durch ihre Schüler, wie Raffaellino del Garbo (1466–1527), wurde Lippis Stil in die Hochrenaissance des 16. Jahrhunderts eingeführt (siehe Abbildung 12).

Abbildung 11. Lippi der Jüngere, Die Vision des Heiligen Bernhard, Öl auf Holz, gemalt 1486, 210 cm hoch, 195 cm breit, jetzt ausgestellt in Badia Fiorentina, Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 12. Raffaellino del Garbo, „Verkündigung“, Öl auf Holz, gemalt zwischen 1510 und 1515, Höhe 58,4 cm, Breite 90,9 cm | Bildquelle: Wikipedia

Autorenprofil: Zhang Yi ist Kunsthistoriker, Berater der Abteilung für Uhren und antike Musikinstrumente des Eremitage-Museums in Russland, Berater der Galerie für französische Pendeluhren, Berater des professionellen Forschungsausschusses der Uhrensammlung Guangdong sowie Mathematiker und Logiker.