In der großen Ära der Bildhauerei mit leuchtenden Sternen ist der Erfinder der Schichtschnitztechnik der legendäre Vertreter

Donatello lebte in einer Ära, in der der Skulpturenstil der italienischen Renaissance Gestalt annahm und reifte. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere schuf er eine große Zahl unverwechselbarer Werke. In dieser großen Ära der Bildhauerei, in der er lebte, schufen viele Meisterkünstler in Florenz Skulpturen, die über die Jahrhunderte weitergegeben wurden. Donatello, der Erfinder der Schichtschnitztechnik, ist zweifellos der legendäre Vertreter dieser großen Ära strahlender Sterne.

Geschrieben von | Zhang Yi

Einleitung: Donatello (richtiger Name Donato di Niccolò di Betto Bardi, ca. 1386 – 13. Dezember 1466) ist der Begründer der italienischen Renaissance-Skulptur. Seine zahlreichen Skulpturen spiegeln die republikanischen Ideale des Florenz der Renaissance wider. Sein künstlerischer Stil ist eklektisch und basiert hauptsächlich auf dem Studium antiker griechischer und römischer Skulpturen und der Beobachtung und Wahrnehmung des realen menschlichen Körpers und der inneren Welt der Figuren sowie der Anwendung der damals fortschrittlichsten wissenschaftlichen Theorien und der Negierung und Weiterentwicklung traditioneller mittelalterlicher Kunstformen. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere schuf er eine große Anzahl von Kunstwerken. Der Autor ist der Ansicht, dass seine verschiedenen runden Skulpturen und Reliefs, die er aus unterschiedlichen Materialien (wie Marmor, Bronze, rotem Ton, Holz usw.) geschaffen hat, sehr charakteristisch sind. Da er nicht nur in Florenz arbeitete, sondern auch in Rom, Siena, Venedig, Padua und vielen anderen Regionen arbeitete, hatten seine kreativen Methoden und sein künstlerischer Stil einen unermesslichen und weitreichenden Einfluss auf weite Teile Italiens und auf die Schöpfungen späterer Bildhauer. Donatello lebte in einer Ära, in der der Skulpturenstil der italienischen Renaissance Gestalt annahm und reifte. Während Donatellos langem Leben schufen viele große Künstler in Florenz, wie etwa Nanni di Banco (ca. 1384–1421), Lorenzo Ghiberti (1378–1455), Filippo Brunelleschi (1377–1446), Michelozzo (richtiger Name Michelozzo di Bartolomeo Michelozzi, 1396–1472) usw., allesamt Skulpturen, die über die Jahrhunderte weitergegeben wurden. Donatello ist zweifellos der legendäre Vertreter dieser großen Ära strahlender Sterne.

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Frühen Lebensjahren

Donatello wurde 1386 in Florenz geboren. Sein Vater, Niccolò di Betto Bardi, war Mitglied der Wollhändlergilde der Stadt. Seine frühe Erziehung erhielt er von der Familie Martelli, einer berühmten alten Florentiner Familie, und später absolvierte er eine Ausbildung zum Goldschmied. Es heißt, er habe 1403 am Wettbewerb um die Gussrechte für die berühmten Bronzetüren des Baptisteriums teilgenommen, sei jedoch erfolglos geblieben. Sein Eintrag wurde zuerst von der Familie Medici gesammelt, blieb aber leider nicht erhalten. Ghiberti war schließlich der einzige Gewinner dieses Wettbewerbs. Es wird gesagt, dass er danach mit Brunelleschi nach Rom reiste und möglicherweise sogar einige archäologische Ausgrabungen durchführte. Die Forschungen der beiden zu antiken römischen Architekturruinen und klassischen Skulpturen beeinflussten Donatellos spätere künstlerische Schöpfungen stark. Besonders hervorzuheben ist, dass nicht nur antike römische Skulpturen Donatellos spätere Schöpfungen beeinflussten, sondern dass sich auch die ausgewogenen Proportionen der antiken römischen Architektur in seinen späteren Skulpturen widerspiegelten, die schließlich zu einem wichtigen Merkmal der Skulpturen der Renaissance wurden. Es gibt auch Hinweise darauf, dass er vor 1408 als Assistent im Atelier von Lorenzo Ghiberti gearbeitet hatte, eine Erfahrung, die ihm möglicherweise die Möglichkeit gab, die Technik des Bronzegusses zu erlernen.

Wir werden zunächst über ein frühes Werk Donatellos sprechen, das nicht unbedingt sehr erfolgreich war, damit die Leser erkennen können, dass selbst ein genialer Meister einen Entwicklungsprozess durchläuft. Wenn jeder bereit wäre, die beiden Werke in Abbildung 1 und Abbildung 1a sorgfältig zu vergleichen, könnten wir erkennen, dass ohne das Verständnis der antiken griechischen und römischen Kunst und Theorie der Realismus oder Naturalismus möglicherweise nicht in der Lage wären, den sogenannten Renaissance-Stil der Bildhauerkunst hervorzubringen. Laut Vasari übte Brunelleschi einst scharfe Kritik an Donatellos früherer Holzskulptur von Jesus am Kreuz. Er war der Meinung, dass Donatellos Werk zu realistisch sei und den leidenden Jesus wie einen Bauern aussehen lasse (Abbildung 1). Donatello, der kritisiert wurde, forderte Brunelleschi daher auf, eine bessere Skulptur derselben Art zu schaffen. Als Donatello später das Werk sah, das Brunelleschi nach Annahme der Herausforderung geschaffen hatte (Abbildung 1a), war er völlig verblüfft. Er lobte Brunelleschis Werk in den höchsten Tönen und gab zu, dass der von ihm geschaffene Jesus wie ein Bauer aussah.

Abbildung 1. Donatello, Jesus am Kreuz, polychrome Holzschnitzerei, 1407–1408, 168 cm breit, 173 cm hoch, jetzt ausgestellt in der Basilika Santa Croce in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 1a. Brunelleschi, Jesus am Kreuz, polychrome Holzschnitzerei, entstanden zwischen 1410 und 1415, 170 cm hoch und 170 cm breit, jetzt ausgestellt in der Kathedrale Santa Maria Novella in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Beide Werke sind in Florenz erhalten geblieben, wenn auch in unterschiedlichen Kirchen, doch bietet sich uns dennoch die Möglichkeit, die beiden Werke sorgfältig zu vergleichen. Wir können sehen, dass Brunelleschis Werk die Form von Jesus aus dem Gemälde seines Florentiner Vorgängers Giotto übernimmt (siehe Abbildung 1b). Verglichen mit Donatellos Werk ist der Jesus in Brunelleschis Werk offensichtlich ein idealisierterer Mensch. Die Länge seiner ausgestreckten Arme entspricht genau der Länge seines Körpers. Dies ist genau die ideale menschliche Körperproportion, die der antike römische Schriftsteller, Architekt und Ingenieur Vitruvius (Vitruvius, richtiger Name Marcus Vitruvius Pollio, ca. 80 v. Chr.–15 v. Chr.) im dritten Band seines Werks „De architectura“ beschrieb. Gleichzeitig folgt es auch den Regeln der menschlichen Anatomie. Als Skulptur lässt Brunelleschis Jesusbild etwas Platz zwischen seinen angewinkelten Beinen und dem Kreuz hinter ihm. Das leicht nach links gerichtete Gesicht des Herrn ist voller Mitgefühl für das menschliche Leid. Der Bildhauer hat es elegant und zurückhaltend gestaltet, sodass es die Aufmerksamkeit des Betrachters lange fesseln kann. Aus diesem Grund können die Menschen die Eleganz und künstlerische Spannung dieses Werks aus fast jedem Winkel spüren, wenn sie es vor der Wand betrachten, an der die Skulptur platziert ist. Brunelleschis Werk übernahm nicht nur die europäische mittelalterliche Kunsttradition und die antike römische Kunsttheorie, sondern verband sie auch mit Realismus und zeitgenössischer Wissenschaft. Wir werden sehen, dass diese Art der künstlerischen Schöpfung zweifellos Donatellos Geschmack beeinflussen wird. Brunelleschi beteiligte sich später an einer Reihe von Architekturprojekten, beispielsweise an der Kuppel des Florentiner Doms, und wandte sich grundsätzlich der Architektur zu. So wurde er zu einer großen Figur der Renaissance. Ich weiß nicht, ob das für Donatello Glück oder Verlust war. Ein starker Mann sollte durch einen großen Wettkämpfer seinen Kampfgeist wecken und noch stärker werden.

Abbildung 1b. Giotto, Christus am Kreuz, Temperagemälde, entstanden zwischen 1290 und 1300, 578 cm hoch und 406 cm breit, heute ausgestellt im Dom Santa Maria Novella in Florenz | Bildquelle: Wikipedia

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Marmorskulptur aus dem frühen 15. Jahrhundert für den Dom von Florenz

2.1. Einführung in die Kathedrale von Florenz

Jeder, der schon einmal in Florenz war, wird von der prächtigen Kathedrale der Stadt tief beeindruckt sein. Der Bau begann im Jahr 1296 und wurde vom berühmten Architekten und Bildhauer Arnolfo di Cambio (ca. 1240–1310) entworfen. Dank des genialen Architekten Filippo Brunelleschi konnte die Kirche im Jahr 1436 schließlich ihren ursprünglichen, ihrer Zeit weit vorauseilenden Kuppelentwurf vollenden und damit das gesamte Bauprojekt der Kathedrale abschließen. Mit Fortschreiten des Projekts wurde auch die Dekoration der Kathedrale langsam durchgeführt. Die Dekoration der Fassade wurde erst 1887 fertiggestellt, doch ihren Höhepunkt erreichte die Dekoration der Kirche im frühen 15. Jahrhundert. Als bedeutender Bildhauer der Stadt wurde Donatello zweifellos zur Teilnahme eingeladen und hinterließ uns mehrere bedeutende Werke.

2.2. Marmorstatue von David

Die Marmor-Skulptur David ist eine der frühesten Skulpturen Donatellos (Abbildung 2). Sein Auftrag war die Opera del Duomo in Florenz. Damals plante er, es auf der Spitze eines Strebepfeilers über der Kirche zu platzieren. Nach der Fertigstellung des Werkes war es jedoch nicht groß genug, um die erwartete Wirkung zu erzielen, sodass es nie irgendwo in der Kirche aufgestellt wurde. Im Jahr 1416 wurde es in die heutige Sala dei Gigli im Palazzo Presbyteriano der Republik Florenz verlegt und Donatello nahm einige Änderungen an dem Werk vor, um seinen religiösen Charakter abzuschwächen und es besser an das weltliche Bild und die Symbolik Davids als Beschützer der Republik Florenz anzupassen. Die Inschrift auf dem Sockel der Statue lautet: „Gott kommt immer denen zu Hilfe, die für die Verteidigung ihres Landes kämpfen, egal wie mächtig ihre Feinde sind (Pro patria fortiter dimicantibus Etia adversus hostes terribilissimos Dii prestant auxilium).“ Diese Skulptur weist deutlich einige Merkmale der gotischen Kunst auf, insbesondere in der Behandlung der Falten und Linien der Kleidung und der stehenden Haltung Davids. aber das schöne und elegante Gesicht des jungen David offenbart die Atmosphäre der Renaissance. Donatello war zweifellos von der klassischen Bildhauerkunst beeinflusst und offenbart auch das Streben des Künstlers nach natürlicher Schönheit. Die statische Eleganz der Skulptur wurde wahrscheinlich von Ghiberti beeinflusst, in dessen Atelier Donatello in dieser Zeit lange Zeit arbeitete.

Abbildung 2. Donatello, David, Marmorskulptur, hergestellt 1408, 189 cm hoch, jetzt im Polizeimuseum von Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

2.3. Sitzende Statue des Heiligen Johannes des Evangelisten

Die in Abbildung 3 gezeigte sitzende Statue des Evangelisten Johannes entstand etwas später als die Marmorstatue Davids und wurde ebenfalls für den damals im Bau befindlichen Dom von Florenz angefertigt. Als Donatello dieses Werk schuf, war er sich durchaus bewusst, dass die Statue hoch oben an der Vorderwand der Kirche platziert werden würde und die Menschen sie nur von unten betrachten könnten. Deshalb verkürzte er die Beine des sitzenden Johannes und verlängerte den Oberkörper, damit die Menschen, die von außerhalb der Kirche aufblickten, das Gefühl hatten, dass die Person, die sie in der Statue sahen, eher den Proportionen eines normalen Menschen in Wirklichkeit entsprach.

Abbildung 3. Donatello, Johannes der Evangelist, Marmorskulptur, hergestellt 1410–1411, 210 cm hoch, jetzt im Dommuseum von Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Dem Neuen Testament zufolge war der Autor des Evangeliums, Johannes, einer der zwölf Jünger Jesu. Nach dem Tod Jesu galt er als eine Säule der Jerusalemer Kirche. In der mittelalterlichen oder zeitgenössischen Kunst wird Johannes normalerweise als junger Mann dargestellt, der Bildhauer stellt ihn hier jedoch als weisen alten Mann mit langem Bart dar. Besonders bemerkenswert ist, dass es sich bei dem von Donatello geschaffenen Heiligen um eine idealisierte realistische Figur handelt. Die Gestalt des Heiligen ist im Wesentlichen von den sitzenden Statuen der Senatoren im antiken römischen Senat abgeleitet. Abgesehen von den Falten der Kleidung ist die gesamte Skulptur fast völlig frei von Einflüssen des mittelalterlichen gotischen Stils und vermittelt dem Betrachter das Gefühl, einem Heiligen mit edlem Herzen, voller Weisheit und festem Glauben gegenüberzustehen. Donatellos Werk beeinflusste zweifellos Michelangelos berühmte sitzende Mosesstatue mehr als 100 Jahre später (Abbildung 3a).

Abbildung 3a. Michelangelo, Moses, Marmor, geschaffen um 1513–1515, 235 cm hoch, heute ausgestellt in der Kirche St. Peter in Vincoli, Rom | Bildquelle: Wikipedia

Es ist erwähnenswert, dass Nani de' Banco fast zur gleichen Zeit, als Donatello die sitzende Statue des Heiligen Johannes schuf, auch eine sitzende Statue des Heiligen Lukas von fast gleicher Größe für die Kathedrale von Florenz schuf (Abbildung 3b), deren Form von den sitzenden Statuen der Senatoren im römischen Senat abgeleitet war. Anders als Donatello wusste der Bildhauer zwar, dass die Statue weit oben an der Außenmauer der Kathedrale platziert werden würde, doch er formte das Bild des Heiligen Lukas lediglich in Übereinstimmung mit den natürlichen Proportionen des menschlichen Körpers in der realen Welt und verlängerte den Oberkörper und den Hals des Heiligen nicht. Diese beiden Statuen werden noch heute hoch oben im Museum aufgestellt, aber bei genauerem Hinsehen fällt auch die Statue von Nani de' Banco ins Auge, die den republikanischen Geist des Florenz der frühen Renaissance widerspiegelt.

Abbildung 3b. Nani dei Banco, Heiliger Lukas, Marmor, 1408–1415, Höhe 208 cm, jetzt im Dommuseum von Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

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Statue in der Nische der St. Michaelskirche

3.1. Die Außenmauer und Nischen der St. Michaelskirche

Die Kirche San Michele (Orsanmichele) wurde 1337 erbaut und diente ursprünglich als Getreidemarkt in Florenz. Zwischen 1380 und 1402 wurde das Gebäude in eine eigene Kirche für alle Handwerks- und Handelszünfte von Florenz umgewandelt. Im ersten Stock befand sich die Kirche, im zweiten Stock das Büro und der dritte Stock diente als Kornspeicher der Stadt, in dem die für die Kriege von Florenz benötigten Lebensmittel gelagert wurden. Eines der großartigsten Merkmale dieser Kirche sind die zahlreichen Nischen an ihrer Fassade. Gemäß den Gesetzen der Republik Florenz musste jede größere Gilde in ihrer Nische eine Statue des Schutzheiligen ihrer Gilde errichten. Die Nähe der Nischen ermöglichte einen vergleichenden Blick auf die darin befindlichen Heiligenstatuen und ermutigte die verschiedenen Zünfte, sich um die Anstellung guter Bildhauer zur Herstellung hervorragender Statuen zu bemühen, sofern ihre finanziellen Mittel dies erlaubten. Aus diesem Grund wurde die Kirche schließlich zum Tempel der Bildhauerei in der Renaissance in Florenz. Es versammelt die großartigen Skulpturen fast aller großen Bildhauer der frühen Renaissance in der Stadt und ist ein unverzichtbarer Bestandteil des Verständnisses der Geschichte der Bildhauerkunst.

3.2. Heiliger Markus

Donatellos Statue des Heiligen Markus wurde von der Florentiner Leinen- und Tuchhändlergilde (Arte dei Linaioli e Rigattieri) gesponsert und speziell für die Nische der Gilde in der Kirche San Michele angefertigt. Der heilige Markus ist der Schutzpatron der Zunft. Die Statue wurde vermutlich zwischen 1411 und 1413 geschaffen, kann aber auch etwas später entstanden sein. Es ist fast 2,5 Meter groß und damit etwas größer als ein echter Mensch (Abbildung 4). Mit dieser Statue zeigte Donatello zum ersten Mal seinen revolutionären Durchbruch auf dem Gebiet der Bildhauerei. Er verband seine sorgfältige Beobachtung des Lebens perfekt mit dem Studium klassischer griechischer und römischer Skulpturen und brach damit völlig mit dem traditionellen mittelalterlichen Skulpturenstil. Mit diesem Werk übertraf er alle eigenständigen Porträtskulpturen seiner Vorgänger seit dem Mittelalter. Aufmerksamen Beobachtern wird auffallen, dass Nani di Banco etwa zur selben Zeit, als Donatello an seiner Skulptur des Heiligen Markus arbeitete, wahrscheinlich aber etwas früher, unter der Schirmherrschaft der Florentiner Schuhmachergilde (Arte dei Calzolai) eine stehende Statue des Heiligen Philipp fertigstellte (Abb. 4b). Die beiden Statuen weisen einige Gemeinsamkeiten auf, etwa ihre Haltung im antiken hellenistischen Kontrapost, und beide Bildhauer waren zweifellos in gewissem Maße von der antiken griechischen und römischen Bildhauerei beeinflusst. Bei näherer Betrachtung fallen jedoch zahlreiche Unterschiede in den Details auf, die den rasch wechselnden Geschmack der avantgardistischsten Bildhauer im Florenz des frühen 15. Jahrhunderts widerspiegeln.

Abbildung 4. Donatello, St. Markus, Marmorskulptur, geschaffen zwischen 1411 und 1413, 236 cm hoch, heute im Museum San Michele in Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 4a. Donatello, St. Markus (teilweise) | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 4b. Nani di Banco, Heiliger Philipp, Marmorskulptur, entstanden zwischen 1410 und 1412, 250 cm hoch, heute im Museum der Kirche San Michele in Florenz ausgestellt. Bei diesem Foto handelt es sich um eine alte Aufnahme der Skulptur in einer Nische an der Außenwand der Kirche. Bildquelle: Wikipedia

Heute befindet sich die Originalstatue im Museum. Bei näherem Hinsehen erkennt man, dass die Marmorstatue Donatellos relativ dünn ist, obwohl man dies in der hoch über dem Boden angebrachten Nische nicht erkennen kann. Eigentlich sollte man es als tiefe Erleichterung betrachten. Dies liegt daran, dass die Gilde der Leinenbekleidungshändler finanziell nicht sehr wohlhabend war und der dem Bildhauer zur Verfügung gestellte Stein daher relativ klein war. Während Nani di Banco ein relativ großes Stück Stein verwendete, konnte der Bildhauer es seinen Bedürfnissen entsprechend leichter bearbeiten. Die Falten der Kleidung des Heiligen sind sehr tief eingraviert und bei genauerem Hinsehen sind alle Einzelheiten der Kleidung zu erkennen. Da der heilige Philipp der Schutzpatron der Schuhmacherzunft ist, ließ der Bildhauer ihn absichtlich sein Gewand hochziehen, um den Schuh an seinem linken Fuß freizugeben. Durch das Hochziehen des Gewandes ist es möglich, dass die Kleidung des Heiligen Philippus etwas von seinem Körper absteht. Der Körper des Heiligen kann vom Betrachter auf der Oberfläche der Kleidung nicht deutlich ertastet werden. Daher weist die gesamte Statue noch einige Merkmale mittelalterlicher gotischer Statuen auf. Möglicherweise schuf Donatello die Statue für den Heiligen Markus, den Schutzpatron der Leinenkleidungshändlergilde. Er kleidete den Heiligen in eng anliegende, leichte Leinenkleidung, die es den Menschen ermöglichte, den Körper und die Bewegungen des Heiligen deutlich zu spüren. Interessant ist, dass Donatello dem Heiligen auch einen Schal aus grobem Faserstoff schenkte, und der Betrachter kann die visuelle Reflexion und den Kontrast deutlich spüren, die durch die realistische Behandlung zweier verschiedener Stoffe durch den Bildhauer entstehen.

Donatellos sorgfältige Beobachtung des Lebens spiegelt sich nicht nur in der Kleidung der Heiligen wider, sondern offenbart sich auch tief in ihrer spirituellen Einstellung. Der heilige Markus wird als ein Ältester dargestellt, der voller Geist und Weisheit ist. Obwohl er still steht, kann man durch die dünne Leinenkleidung die Vitalität spüren, die in seinem leicht verdrehten Körper und seinen Muskeln steckt. Auch das vom Bildhauer in realistischer Technik gestaltete Gesicht des Heiligen Markus zeigt die lebendige Innenwelt des Heiligen. Sein Blick ist geradeaus gerichtet, seine Augenbrauen sind leicht hochgezogen und die Falten auf seiner Stirn lassen den Betrachter seine Weisheit tief spüren. Die realistische Gestaltung seines Gesichts durch den Bildhauer scheint es den Menschen zu ermöglichen, durch seine Pupillen die Beständigkeit, den Frieden und das Selbstbewusstsein seiner inneren Welt zu spüren. Für diejenigen, die die Geschichte der Florentiner Republik verstehen, ist diese von einer weltlichen Gilde in Auftrag gegebene Statue des Heiligen Markus ein Ausdruck des Selbstbewusstseins und Stolzes der erwachten Stadtbürger in der frühen Phase der Wiederbelebung der weltlichen Stadt nach der langen mittelalterlichen religiösen Herrschaft.

Die aus der klassischen Kunst abgeleitete Körpermodellierung, gepaart mit der gründlichen Beobachtung realer Menschen und dem Ausdruck durch naturalistische Techniken, macht Donatellos Skulptur zur frühesten noch stehenden menschlichen Skulptur im Geiste der Renaissance in Florenz. Es ist eigentlich auch eine Feier der aus dem europäischen Mittelalter wiedererwachten Menschenwürde. Diese Kombination aus klassischer Modellierung menschlicher Skulpturen und realistischen naturalistischen Bildhauertechniken lässt auch den Beginn einer neuen Ära im Bereich der Bildhauerei und sogar der gesamten Welt der bildenden Kunst erahnen. Obwohl die traditionelle gotische Kunst noch einige Zeit bestehen wird, wird die neue Kunstform den Geschmack der Menschen allmählich verändern und schließlich einen unwiderstehlichen und starken Trend bilden.

3.3. St. Georg

Ich persönlich glaube, dass die Statue des Heiligen Georg und das Relief auf der Vorderseite ihres Sockels Donatellos herausragendste Werke aus seiner Jugend sind (Abbildungen 5 und 5a). Es handelt sich um die erste Porträtskulptur, die die Ästhetik und die humanistischen Ideale der Renaissance vollständig widerspiegelt, und außerdem ist es meine Lieblingsskulptur von Donatello. Der Bildhauer wurde von der Florentiner Rüstungs- und Waffengilde beauftragt, dieses Werk für die Gilde in einer Nische an der Außenwand der Kirche San Michele in Florenz zu schaffen. Die Originalstatue wurde inzwischen in das Polizeimuseum von Florenz gebracht und eine Replik befindet sich an der Außenwand der Kirche. Durch die Rüstung und den Umhang der Figur können wir den menschlichen Körper voller jugendlicher Kraft und unendlicher Vitalität spüren. Es handelt sich um eine Reproduktion des idealen menschlichen Körpers in antiken griechischen und römischen Skulpturen. Die breitbeinig aufgestellte Gestalt scheint stehen geblieben zu sein und starrt geradeaus. Der Gesichtsausdruck des Heiligen Georg ist ruhig, stark und selbstbewusst, was die Menschen an die Stärke, Einfachheit und temperamentvollen Eigenschaften erinnert, die den Bürgern der Römischen Republik eigen waren. Zweifellos nutzte der Bildhauer die Gesichter der Figuren, um die geistige Einstellung der idealen Bürger der Florentiner Republik im Sinne des humanistischen Ideals darzustellen. Sie sind jung, gutaussehend, haben keine Angst vor Strapazen, sind voller Lebenskraft und jederzeit bereit, die Republik zu verteidigen und eindringende ausländische Feinde auf dem Schlachtfeld zu besiegen. Um den Realismus der Skulptur zu erhöhen, ließ Donatello den Heiligen Georg ursprünglich einen Speer in seiner rechten Faust halten und an dem Metallgürtel, der um seine Taille geschlungen war, hing ein Schwert in einer Scheide. Obwohl wir Marmor-Skulpturen heute nur noch in Museen sehen können, sind bei genauerem Hinsehen immer noch Spuren dieser am Körper der Statue befestigten Metallwaffen zu erkennen.

Abbildung 5. Donatello, Stehende Statue des Heiligen Georg und Flachrelief auf dem Sockel. Der Heilige Georg tötet den Drachen, Marmorskulptur, geschaffen zwischen 1416 und 1417; die Statue ist 209 cm hoch; das Flachrelief auf dem Sockel ist 50 cm hoch und 172 cm breit; jetzt im Florence Police Museum ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5a. Donatello, Statue des Heiligen Georg (teilweise) | Bildquelle: Wikipedia

3.4. Einführung neuer Technologien und Beginn der modernen Relieftechnik

Auf der Vorderseite des Sockels unter der Statue des Heiligen Georg schuf Donatello ein kleines Flachrelief mit dem Thema des Heiligen Georg, der den Drachen tötet (Abbildung 5b). Hier führte der Bildhauer erstmals die von Brunelleschi erfundene perspektivische Methode im Relief ein. Es war auch das erste Mal, dass er die von ihm erfundene Methode des mehrschichtigen Schnitzens (Stiacciato) anwandte, um die Tiefenwirkung der Landschaft zu verstärken. Bei der sogenannten Schichtschnitzmethode handelt es sich um eine Reliefschnitztechnik, bei der zunehmend flachere und flachere Schnitzereien verwendet werden, die in der Nähe des Horizonts der Reliefoberfläche nur wenige Millimeter hoch sind, um den Eindruck perspektivischer Tiefe zu erhöhen und die Atmosphäre der Szene weiter zu verbessern. Es wurde von Donatello erfunden und populär gemacht.

Abbildung 5b. Donatello, Der Heilige Georg tötet den Drachen, Marmorrelief, Sockel der Statue des Heiligen Georg, Höhe 39 cm, Breite 120 cm | Bildquelle: Wikipedia

Die Erfindung der Schichtschnitztechnik ist zweifellos Donatellos größter Beitrag zur Bildhauerkunst. Es verleiht dem ursprünglich nur flächig wirkenden Relief eine Tiefe im dreidimensionalen Raum. Durch die Erfindung dieser Technologie und den Einsatz perspektivischer Techniken wird die Ausdruckskraft des Reliefs im Hinblick auf die Landschaftstiefe erheblich gesteigert. Wir können es mit einer anderen Gruppe von Flachreliefs unter der Nische der Skulptur „Quattro Santi Coronati“ (Abbildung 5c ​​und Abbildung 5c-1) an der Außenwand der Kirche San Michele vergleichen, ganz in der Nähe der Statue des Heiligen Georg. Es wurde von Nani di Banco für die Steinmetze- und Zimmermannsgilde (Arte dei Maestri di Pietra e Legname) geschaffen. Das gesamte Werk wurde nur ein Jahr vor Donatellos Werk fertiggestellt, doch das Flachrelief ist mit traditionellen Techniken ausgeführt, und obwohl es tiefer geschnitzt ist, vermittelt es den Menschen immer noch den Eindruck fehlender Tiefe. Die von Donatello für die Reliefskulptur entwickelte Methode der mehrschichtigen Schnitzerei ermöglichte es den Reliefskulpturen der Renaissance zweifellos, die antiken griechischen und römischen Reliefs sowie alle Reliefwerke vor 1410 hinsichtlich des Ausdrucks landschaftlicher Tiefe zu übertreffen. Donatello selbst war zweifellos der Verfechter dieser technischen Erfindung (siehe Abbildungen 5b und 5d). Er beeinflusste auch Bildhauer wie Ghiberti, der diese Technik geschickt in vielen der von ihm geschaffenen Reliefs des Paradiestors einsetzte (siehe Abbildungen 5e und 5f), wodurch Florenz in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts brillante Leistungen in der Reliefkunst erzielen konnte.

Abbildung 5c. Nani di Banco, Die Krönung der vier Heiligen, Marmorskulptur, entstanden zwischen 1414 und 1416, die Statue ist 203 cm hoch. Die vier Heiligen der Skulptur sind heute im Museum San Michele in Florenz ausgestellt. Die Porträtreplik und das Original-Flachrelief sind noch immer an der Außenmauer von San Michele ausgestellt. Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5c-1. Nani di Banco, Relief von Zimmerleuten und Steinmetzen bei der Arbeit, Relief der Vorderseite des Sockels der vier gekrönten Heiligen | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5d. Donatello, Gastmahl des Herodes, vergoldetes Bronzerelief, 60 cm hoch, 60 cm breit, Teil des Baptisteriums San Giovanni in Siena, jetzt ausgestellt im Baptisterium San Giovanni in Siena | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5e. Ghiberti, Erschaffung von Adam und Eva (Teil des Paradiestors), vergoldetes Bronzerelief, hergestellt zwischen 1425 und 1452, 80 cm hoch und 80 cm breit, jetzt im Dommuseum von Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5f. Ghiberti, Esau und Jakob (Teil des Paradiestors), vergoldetes Bronzerelief, hergestellt zwischen 1425 und 1452, 80 cm hoch und 80 cm breit, jetzt im Dommuseum von Florenz ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Donatellos Marmorrelief „Madonna in den Wolken“ nutzt geschichtete Schnitzereien, um einen kontinuierlichen natürlichen Raum mit fließenden Wolken in seiner Tiefe und verschiedenen subtilen Wechseln zwischen den verschiedenen Figuren zu schaffen (Abbildung 5g). Es ist zweifellos eines der einflussreichsten Werke Donatellos. Der Bildhauer übernahm die Seitenporträttechnik der Florentiner Maltradition. Die Jungfrau Maria hat einen ernsten und leicht traurigen Gesichtsausdruck, der zeigt, dass sie die unvermeidliche tragische Zukunft des Jesuskindes vorausgesehen hat. Donatello schuf im Laufe seines Lebens zahlreiche Reliefs mit Madonna und Kind, und aus seinem Atelier stammen zahllose solcher Werke. Es besteht kein Zweifel, dass seine Madonnenreliefs damals beim Publikum sehr beliebt und begehrt waren. Sie hatten auch großen Einfluss auf die Reliefs der späteren Renaissance. Sogar Michelangelo, der behauptete, nur von der Natur und den Klassikern zu lernen, studierte in jungen Jahren Donatellos Reliefs der Madonna mit Kind privat und ernsthaft. Die Madonna der Treppe, die er in seiner Jugend schuf, ist ein Modell eines Reliefs im Donatello-Stil (Abbildung 5h).

Abbildung 5g. Donatello, Madonna in den Wolken, Marmorrelief, entstanden um 1425–1435, 33,1 cm hoch, 32 cm breit, jetzt ausgestellt im Museum of Fine Arts, Boston, USA | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 5h. Michelangelo, Madonna auf der Treppe, Marmorskulptur, entstanden um 1490, 56,7 cm hoch, 40,1 cm breit; jetzt im Casa Michelangelo Museum in Florenz, Italien, ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

3.6. Nani di Bancos Himmelfahrt der Jungfrau und das Ende der gotischen Reliefkunst

Die Himmelfahrt der Jungfrau Maria ist ein großes Relief, das Nani di Banco für die Porta della Mandorla an der Nordseite der Kathedrale von Florenz geschaffen hat (Abbildung 6). Als Inspiration diente das gleichnamige Reliefwerk seines Florentiner Vorgängers Orcagna (Orcagna, ca. 1308–1368, mit bürgerlichem Namen Andrea di Cione) (Abbildung 6a), das eindeutig gotisch ist, die Jungfrau jedoch als ältere Frau darstellt. Dieses von Nani geschaffene Werk ist ein dreieckiges Tiefrelief. Die Figuren darin sind größer als echte Menschen. So ist beispielsweise die sitzende Statue der jungen Jungfrau Maria über 2 Meter hoch. Um ihren Körper befindet sich ein aprikosenförmiger Ringrahmen. Dieser Ringrahmen ist nicht nur Namensgeber des gesamten Tores, sondern weist auch auf die Herrlichkeit der Jungfrau Maria im Himmel hin. Bei genauerem Hinsehen sind in den Händen der Jungfrau Spuren der vergoldeten Metallrosen zu erkennen, die sie einst hielt. Diese weisen auf den Namen der Kirche hin: Santa Maria del Fiore, ein Name, der ihr 1421 von der weltlichen Regierung von Florenz, der Kongregation der Ältesten, verliehen wurde. Nani und seine Gehilfen stellten dieses prachtvolle Relief in elf Teilen fertig, das Gesamtwerk wurde jedoch vermutlich erst nach Nanis Tod im Jahr 1421 zusammengesetzt.

Abbildung 6. Nani di Banco, Mariä Himmelfahrt, Marmorrelief (Teil der mandelförmigen Tür der Kathedrale von Florenz), geschaffen zwischen 1414 und 1421, 5 Meter hoch und 4 Meter breit, mit der sitzenden Statue der Jungfrau Maria, die über 2 Meter hoch ist, befindet sich in der Kathedrale von Florenz | Bildquelle: Wikipedia

Abbildung 6a. Organia, eine Kombination aus Reliefs der Beweinung der Jungfrau Maria und der Himmelfahrt der Jungfrau Maria, Marmor mit Einlagen aus Lapislazuli, Gold und Glas, fertiggestellt und signiert im Jahr 1359, jetzt in der Kirche San Michele ausgestellt | Bildquelle: Wikipedia

Im Relief der Abbildung 6 setzt Nani di Banco der gerade in den Himmel aufgefahrenen Jungfrau Maria eine Krone auf. Dieser künstlerische Ausdruck unterscheidet sich von traditionellen christlichen Klassikern und traditionellen christlichen Kunstausdrücken. Vergleichbar ist es beispielsweise mit dem Relief Mariä Himmelfahrt, das Organa 1359 für die Kirche San Michael anfertigte (Abbildung 6a). Die Arbeit von Nani di Banco war offensichtlich von Letzterem beeinflusst. Die beiden haben viele Gemeinsamkeiten. So stellt beispielsweise die Figur in der unteren linken Ecke des Reliefs den Heiligen Thomas dar, der seine Hand erhebt, um der Jungfrau Maria den Heiligen Gürtel abzunehmen, und in der unteren rechten Ecke der Skulptur, gegenüber dem Heiligen Thomas, sind ein Baum und ein Bär zu sehen. Der Baum soll den irdischen Ort symbolisieren, an dem die Jungfrau Maria ihr irdisches Leben beendete und in den Himmel auffuhr, nämlich das Tal Josaphat. Die Interpretation des Bären durch Kunsthistoriker ist jedoch sehr unsicher. So interpretierte Vasari beispielsweise in der Erstausgabe seiner „Biographie“ den Bären als Symbol des Teufels, strich jedoch bei der zweiten Veröffentlichung der Biographie, vielleicht aus Unsicherheit, seine ursprüngliche Interpretation.

Obwohl die zwischen 1414 und 1416 von Nanni di Banco geschaffene Marmor-Skulpturengruppe „Krönung der vier Heiligen“ (Abbildung 5c) das Erbe und Verständnis des Bildhauers für antike römische Skulpturen zeigt, lässt sich bei dem in Abbildung 6 gezeigten Marmorrelief „Mariä Himmelfahrt“ zwar einige naturalistische Elemente in die Details einbringen, insgesamt ist dieses Relief jedoch eindeutig der Kategorie des gotischen Kunststils zuzuordnen. Der Bildhauer trieb die prachtvolle Dekorativität der gotischen Kunstform auf die Spitze. Auch heute noch, wenn wir unter dem aprikosenförmigen Tor der Kathedrale von Florenz stehen, können wir den schockierenden Charme spüren, den es ausstrahlt. Es ist fast 600 Jahre her, dass der Bildhauer dieses Werk schuf. Im Laufe der Zeit hat sich der künstlerische Geschmack der Menschen dramatisch verändert und verschoben. Objektiv betrachtet hat zu Beginn der Renaissance auch die gotische Reliefkunst der alten Epoche große Werke hervorgebracht. Die Entwicklung der Kunst ist nicht das Ergebnis einer linearen Evolution und die Schaffung großartiger Werke beruht nicht unbedingt ausschließlich auf der Anwendung und dem Verständnis neuer Wissenschaft und Technologie. Hinter den Veränderungen im künstlerischen Geschmack müssen andere, komplexere Faktoren stecken. Aufgrund des frühen Todes Nanis erhielten sein Ruf und dieses Werk lange Zeit nicht die Aufmerksamkeit, die sie verdienten. Vasari schrieb dieses Werk nicht nur Jacopo della Quercia (ca. 1374–1438) als Autor zu, sondern es entstanden in Florenz während der Renaissance auch keine bemerkenswerteren Werke gotischer Reliefs.

Über den Autor

Zhang Yi ist Kunsthistoriker, Berater der Abteilung für Uhren und antike Musikinstrumente des Eremitage-Museums in Russland, Berater der Galerie für französische Pendeluhren, Berater des Forschungsausschusses der Uhrensammlung Guangdong sowie Mathematiker und Logiker.

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